㈠ 如何正確的學習吉他
正因如此，它吸引了世界各地許許多多的吉他愛好者，不斷地努力練習、積極研究。
當位「智能型」的吉他手F
在國內一般學吉他的人，大部份是從高中，甚至上大學以後參加社團才開始，起步比較晚。但是學音樂並不是像跑百米的競賽，而像是場馬拉松。相信大家都知道龜兔賽跑的寓言，到最後得勝的是堅持到底的烏龜。所以每天保持適量的練習和進步，即使是一小步，有天也會登上音樂的頂峰，看到更寬廣的天空和景色。,"
記得17歲那年到老師家開始了第一課。他叫我彈一些東西給他聽，結果我挑了難度頗高的一首曲子，彈完之後，老師對我說：「你知道自己的問題嗎?」然後他用手指著自己的頭說：「從現在開始，你要訓練的是這里（頭腦）！如果你能找到自己問題在哪裡，自然會找到答案。
我想這句話指出了所有學習吉他者的努力目標。在台灣有許多「苦練型」的學習者，用練習時數的長短和曲目的大小來衡量自己進步的情況，而克服曲子的方法，便是苦練，希望借著反復重復手指的動作，去解決演奏上的困難。殊不知強迫手指的肌肉去做出超出它能力以外的工作，不僅無法使自己的演奏出色流暢，最後可能將手和肌腱練傷了而不自知。所以真正要練習的不是手指，而是頭腦。
工欲善其事，必先利其器
找琴，就如同找另一半一樣，必須很認真、很有耐心地找，經驗多了以後，便會愈來愈清楚適合自己音色觀念和觸弦方式的吉他是什麼。挑選吉他是一門大學問，諸如材料、力木結構、漆、弦的配合問題…等等，都會影響到琴的音質和個性，而這些問題就留給制琴家們去傷腦筋吧！對一個演奏者而言，挑琴所要考慮的主要因素有清晰的音色，豐富持續的共鳴，均衡的聲響和適中的張力。一把具有音樂性的好琴，對演奏者的各種不同觸弦方式，都能靈敏的反應出來，且能不費力地"唱" 出自己的音樂。
現代制琴的觀念，似乎彌漫著一種偏頗的看法，便是開始追求大的音量及厚重的共鳴，這種為了增加音量而犧牲吉他音質的製作觀念，個人並不苟同。我本身較偏愛松板的Torres及Hauser I等傳統力木結構的音質，因為他們有著容易彈的特點而且具有清澈的音質和典雅的共鳴。
另外，買琴不要迷信名牌（這點我非常贊同，我曾在「購琴指南」一文中闡述過類似觀點，因此吉他島推薦的音樂會吉他都不是所謂的「頂級名琴」，而是具有國際水平的獨立製作家製作的精品。版主注）。世界上有許多價格便宜，由尚未成名年輕制琴師製作的優秀作品，出色的音質完全不輸給所謂的名琴。
因此個人認為挑琴比較理想的地點有：
一、琴展（Exhibition）。例如在美國每年GFA國際吉他大賽，都有為期一周的吉他、CD、樂譜、附件的大展，來自世界各地許多優秀的制琴師（Luthier）和吉他中介商（Guitar Dealer）聚集在會場擺攤位，數十把的名琴，令人大開眼界。同時有些二手名琴在脫售中，可以殺價一番，也許可以用不錯的價格找到頂尖的吉他。
二、吉他中介商。找些規模較大，收藏較豐的琴商。新琴比訂制琴貴，這也是合理的，就像成屋一定比預售屋貴的道理是一樣的，畢竟琴商提供了更多、更安全的選琴機會。（我補充一點，接觸吉他越多的代理機構經驗必定更豐富，這也為購琴者提供了更多的無形附加值。版主注）
不要當「鸚鵡」
從初學者開始便要養成一種習慣，自己思考指法。練習樂曲的過程猶如做實驗一般，樂句中速度、力度、色彩的正確比例、對比、漸層…等，都需要一一的去試驗，直到找到最滿意的表現方式。同時借著接觸作曲家或閱讀他的傳記、書信，來幫助了解樂曲的內涵也是詮釋音樂極重要的工作。所以基於每個演奏者都有自己的音色觀念、思維模式及運動方式，如果我們並不了解他們的觀念而直接使用的話，不僅讓自己喪失了思考音樂的機會，更養成了依賴的惰性。參考別人的指法，應該要用較正確的觀念來使用，看看它是否提供了解決音樂問題的方法，否則最好不要隨便使用這些未經心智消化吸收的東西。
吉他的終極秘密---放鬆
演奏樂器的「放鬆」是指正確的選擇動作和每個動作都是在有意識之下完成的，所以該用多少力量去按弦、彈弦，便用多少，絕不會浪費一分力氣。以左手來說，大部份的人彈吉他用的是虎口和手指的力量，拇指為了對抗指板上其它四指的力量，虎口必須持續不斷的用力。如此光靠手指和虎口少數的肌肉要完成整場一個小時的演奏會曲目，結果註定是要痛苦地失敗。因此左手正確地按弦時，虎口和左手拇指是完全不用力的（除了封閉按法需要用到一點虎口的力量之外），因為手指只是被動的角色，隨時在休息狀態中，左手真正按弦的主角是手腕和手臂；藉由調整手腕的彎曲程度及手臂外伸拉回的動作，把手指放在指板上的正確位置，因此各種手型（frame）的正確使用是獲得左手放鬆技巧訓練的開端。從基本的縱向手型（longitudinal presentation）、橫向手型（transversal presentation），到進階的各種綜合手型（mixed presentation, 介於縱向和橫向的手型）是征服指板的重要課題。
移把位的技巧亦是由手腕和手臂將手指帶離原來的位置，在瞬間使手指到達新的位置。移把位的方法共有三種，依學習的次序為：替換（substitution）、移位（shift）、跳躍（jumping），也是需要每天集中注意力，去練習如何正確使用自己的手腕手臂。記得剛開始學習改變按弦的方式時，一直很不適應且不得要領，一次和Carlevero大師上課時，他看我努力了半天，表情十分苦惱，便跟我開開玩笑：「我是你的老師，而你是你的手腕、手臂的老師，想想辦法教他們變聰明吧!
目前常看到年輕的一輩，標榜著用140的速度在練音階，這是個相當令人擔心的事。音階的真正練習價值不是速度，而是在熟悉指板上不同區間、不同弦，該如何正確地呈現手型及移把位之動作。唯有從慢速度開始練習，讓每個動作，每個聲音都在頭腦專注下，正確地完成，才能逐漸讓左手在指板上自由運動；而速度的獲得，不必刻意的追求，有一天它自然會像熟透的蘋果般落下，所以「正確」才是練習放鬆的目的，速度只是練習下的附產品而已。
Carlevaro大師曾說過這樣的話：「左手只是個trabajador（工人），而右手是個artista（藝術家）！」根據個人的經驗，以正確的方法和目標專注練習的話，大約只要半年到一年的時間，應該可以完成左手的放鬆技巧。而右手隨著音樂性的成長，卻要終其一生不斷地去探索它的可能性。基本上右手的技巧只有兩種：基本的勾弦法（free touch），和加入固定法（fijacíon）之後各種千變萬化的觸弦法。而學習右手的技巧，必須要有一付好耳朵，否則這些細微的變化，很難用文字去解釋。所謂的fijacíon是根據音樂不同表情的需要，而加入不同的肌肉和關節，使之結合為一個整體的彈奏群組；例如，須要彈奏fff強音的和弦齊奏時，只靠手指的力量去勾弦，是無法讓吉他達到力度的要求，此時如果將ami三指合並成一個群組，運用手臂和手腕的力量帶動整個群組來彈，便可以很輕松地作出強音的要求。再者，當主弦律在低音部，如大提琴般歌唱，而上聲部同時有和聲伴奏的情況下；此時音樂上力度的層次應以低音為主，而上聲部伴奏居於次要的地位。右手為了區分出不同的聲部，可以轉動手腕趨向自己，使伸直的大拇指得到最佳的觸弦位置，而讓其它手指的觸弦深度變得較淺，如此改變手腕角度即可很輕松而且清楚地區分出不同聲部，也是右手常使用的技巧之一。
音色右手放鬆技巧的建立，在於如何正確的製造音色。據說在古代，一位好的弓箭手使用中等強度的弓，可以射得比普通射手的強弓還遠。對吉他來說，初學者並不應該以止弦法（apoyando）開始建立右手的技巧，因為它是一種相當深的觸弦法，觸弦點是一條線，很難訓練出穩固確實的觸弦點，並且止弦法所壓出的聲音，不是吉他基礎的音量。一把吉他最自然的聲音應該像用彈片（pick）瞬間撥出的清澈音質，因此以勾弦法並選擇指甲正面觸弦的方式，是訓練右手的起跑點。因為好的音色決不是用力製造出來的，而在於固定觸弦點及瞬間過弦，如此便可以得到清楚而確實的音色。
右手的技巧:
經常可以聽到「訓練出手指的獨立性」這句話，事實上增進右手技巧的秘密不在所謂遙不可及的獨立性，而是協調性。比如，以a，m，i，m在①②③②弦上彈的音型，無論速度快或者慢，必須練到四個音一個連續動作，並且要求每個音的力度都平均，音色一樣為止。當右手熟悉更多的音型時，自己會感覺到，樂曲中困難的樂句，似乎在不知不學中，變得更容易掌握了，畢竟分工合作，要比單打獨鬪來的輕松且有效率的多。
自信心有這樣的一個笑話：三個著名的指揮家正在討論他們之中究竟哪一個是最偉大的。他們分別是：喬治．賽爾（George Szell）、雷納．伯恩斯坦（Leonard Berstein）、赫伯．范．卡拉揚（Herbert von Karajan）。
「呃，我想最大的應該是我才對吧?」伯恩斯坦回答道。「因為我既是指揮家，又是作曲家。在我指揮音樂的時候，同時也能感受到作曲家的靈魂。而我指揮我自己的彌撒曲時，則是透過上帝親自給我啟示的。
卡拉揚聽到之後馬上回話：「我哪有給你啟示?」
㈡ 美國古典吉他和民謠吉他哪個多
美國民謠吉他更多來，原源因如下：
1，民謠吉他更容易上手，彈奏更加自由。
2，美國人的民族性格自由，更傾向於民謠吉他。
3，古典吉他難以掌握，很少有人在閑暇時間鑽研。
古典吉他的聲調細膩，音色多變，彈奏技巧較為固定，因此多在正式場合使用，而民謠吉他彈奏隨意，在很多場合可以使用，因此使用人數較多。